Warm Bodies

사람들은 항상 새로운 것을 원하는 것 같습니다. 작금의 대한민국 현실을 보면 꼭 그런 것 같지도 않지만, 영화라는 것에 대해서는 유난히도 ‘새로운 것’에 집착하는 것 같습니다. 옛 것을 가져와서 ‘요즘 것’으로 훌륭히 재장초 해내는 감독들, 예를 들면 쿠엔틴 타란티노 같은 작가들도 있지만, 요즘 헐리우드 스튜디오는 아무것이나 다 고치고 ‘새롭게’ 만들고자 하는 것 같습니다.

문제는 스탠리 큐브릭 처럼 찍어내는 작품마다 걸작인 위대한 감독이거나, 제임스 카메론 같은 뛰어난 장인이거나, 스필버그 같은 장악력과 연출력과 뚝심을 가진 감독과 작가는 흔하지 않다는데 있습니다. 사람이 낼 수 있는 아이디어의 개수는 시간에 비례한다는 한계가 있고, 요즘은 갖은 예전 것들을 가져와서 다시 만들려고 난리를 냅니다. 여기에 ‘옛 것이지만 새로워야 한다’는 공식이 붙습니다. 작가들은 공식에 충실하게 각색을 시도합니다. 모든 작가가 쿠엔틴 타란티노 같다면 얼마나 좋겠습니까 마는, 헐리우드에 차고 넘치는 감독과 작가들 중 그럼 역량을 가진 작가는 손에 꼽을 수 있을 정도입니다.

이런 상황에서 가장 쉽게 ‘새것으로 보일 수 있도록’하는 방법은 클리셰 비틀기 입니다. Bourne 시리즈는 007영화의 클리셰를 훌륭하게 비틀어 성공한 영화라 할 수 있습니다. ‘브리오니 수트를 입고 손에 피 한방울 묻히지 않고 싸우며 여자에게 인기가 많은 스파이’가 007이 만들어낸 캐릭터 클리셰라면, Bourne 시리즈는 ‘박터지게 죽을 것 같이 싸우며 외로운’ 새로운 스파이의 전형을 만들어 냈습니다. 나중에는 007이 Bourne을 따라하기도 합니다. 제일 큰 문제는 모든 결과물이 항상 이럴 수는 없다는 데 있습니다.

<트와일라잇> 시리즈를 기억하실 겁니다. 뱀파이어가 나오는 하이틴 로맨스 영화입니다. 뱀파이어라는 종족은 원래 햇빛을 보면 타 죽고, 마늘을 무서워하며, 거울에 비치지 않고, 십자가에 떠는 종족입니다. 또한 이쁘며 잘생기고 물리적 괴력을 가지며 영생의 축복을 받은 가상의 생명체입니다. 뱀파이어 영화의 클리셰는 톰 홀랜드 감독의 1985년 작 <Fright Night>에서 잘 볼 수 있습니다. 늑대인간과 동거하는 뱀파이어는 자신의 매력을 이용해서 여자를 유혹하고, 뱀파이어가 여자의 목덜미를 물 때는 성적인 긴장감이 흘러넘치며, 성수와 십자가를 무서워하고 마지막에는 햇빛에 타 죽는 악당입니다. 이 클리셰를 훌륭히 비튼 영화는 닐 조던 감독의 1994년 작 뱀파이어와의 인터뷰입니다. 고독에 못 이겨 뱀파이어가 되었지만, 사람의 피를 빨아먹기 싫어해 쥐 피를 빨아먹으며 살고, 어린나이에 뱀파이어가 된 아이는 여성으로 성장할 수 없는 자신의 신세를 한탄하며, 주인공인 그에게 사랑과 존경과 열등감을 가진(츤데레?) 뱀파이어가 등장하여 사람이 살아가는 것과 영생, 늙지 않음에 대한 깊은 이야기를 들려 주었습니다.

하지만 트와일라잇은 이런 클리셰를 아예 무시했습니다. 트와일라잇에 나오는 뱀파이어는 이쁘며 잘생기고 물리적 괴력을 가지며 영생의 축복을 받은 생명체인데, 뱀파이어가 전통적으로 가지는 약점은 하나도 없습니다. 이 영화에 나오는 뱀파이어는 흡혈에 대해 딱히 ‘목마름’을 느끼지도 않고, 창백하며 아름다운 외모에, 부자, 심지어는 햇빛을 받으면 피부가 다이어몬드같이 빛이 납니다. 이 영화의 주인공은 특별한 이유없이 예의(싸가지!) 없는 여주인공에 목을 매고, 별 이유없이 사랑과 충성을 맹세합니다. 뱀파이어 종족과 동일한 종류의 매력을 가진 늑대인간 역시 주인공 벨라에게 충성합니다. 이 영화를 보는 여성들은 송중기의 늑대인간을 볼 때와 같았을 것이라 자신합니다. ‘늙었지만 아직도 예뻐요. 그리고 난 아직도 당신을 사랑해요’라고 말하는 남자가 송중기의 얼굴을 달고 있다고 생각해 보세요. 여주인공에 자신을 대입하는 관객들은 ‘내가 버렸지만 아직도 나만 사랑하는 멋있는 첫사랑’의 판타지가 실현되는 기분을 느꼈을 것입니다. 트와일라잇의 작가와 감독 모두 이런 의도를 가지고 있었을 게 틀림없습니다.

뱀파이어는 착취 계층이 느끼는 지배 계층에 대한 이미지가 상징화 된 것이었습니다. 영화나 소설에 등장하는 뱀파이어는 귀족 계층이었고, 귀족은 평민의 노동력을 이용하여 부를 축적했습니다. 사악한 귀족들은 노동력에 대한 정당한 가치를 지불하지 않았습니다. 평민은 착취의 역사속에서 살아왔으며, 이는 현대에 이르러 자본가와 노동자의 관계로 이어졌습니다. 많은 이야기와 현실에서 귀족이나 자본가는 평민과 노동자의 피를 빨아 먹으며 살아왔으며, 때로는 평민과 노동자가 귀족과 자본가를 몰아내기도 했습니다. 뱀파이어 영화에서 주인공 연인의 목덜미를 깨물어 피를 빠는 장면을 상상해 보세요. 주인공의 연인은 뱀파이어에게 왜인지 모르게 끌리며, 결국은 유혹에 넘어가지만 주인공 연인에 의해 구조됩니다. 이는 자기 여자 또는 재산을 빼앗아갈지 모르는 귀족 또는 자본가에 대한 두려움에서 기인합니다. 결국에는 이기는 것 또한 비슷한 맥락입니다.

트와일라잇 시리즈는 이런 평민 또는 노동자가 느끼는 불안감의 상징이던 뱀파이어를 서점 연애 코너에서 흔히 찾을 수 있는 하이틴 로맨스로 둔갑시켜 버렸습니다. 브람스토커에서 시작되어 몇백년의 역사를 가진 뱀파이어를 정체를 알 수 없는 이상한 외계 종족으로 둔갑시켜, 여학생 또는 로맨스를 꿈꾸는 아줌마라면 좋아하지 않을 수 있는 폭풍간지의 연애종족으로 만들어 놓았습니다. 저는 이게 상당히 마음에 들지 않습니다.

저는 이런 난데없는 비틀기가 싫습니다. 뱀파이어는 햇빛을 보면 타 죽어야 하고, 누군가 문을 열어주지 않으면 집으로 들어갈 수 없어야 하고, 거울에 비치지 않아야 하며, 관속에 누워 불편하게 가슴에 손을 올리고 잠을 자다가 난데없이 나타난 뱀파이어 헌터에게 말뚝으로 심장을 관통당해 죽어야 합니다(뱀파이어가 십자가를 무서워하는 건 마음에 들지 않습니다만). 뱀파이어는 먹이사슬의 정점에서 인간을 먹이감으로 보아야 하고, 인간은 거기에 맞서 싸울 수 있도록 뱀파이어의 약점을 알고 있어야 합니다. 007은 007 답게 적진에 잠입해서도 당당히 ‘본드, 제임스 본드’하고 본명을 말해야 하고, 어젯밤 잠자리를 같이한 여자에게 주저없이 총을 쏠 수 있어야 합니다. 뱀파이어는 뱀파이어 다워야 하고, 007은 007 다워야 하며, 좀비는 좀비 다워야 하는 것이 세상 살아가는 예의입니다.

Warm Bodies는 좀비가 나오는 영화입니다. 이 영화 역시 대세에 따라 좀비의 클리셰를 심하다 못해 과하게 비틀었습니다. 이 영화에서 좀비는 생각(!)을 합니다. 좀비끼리 대화(!)도 합니다. 식사 대상인 남자의 뇌를 먹더니 기억을 공유하게 되어 남자의 여자친구를 사랑하게 되고 심지어는 심장이 뛰기까지 합니다. 이 영화에서 좀비는 착한 좀비와 나쁜 좀비로 나뉘는데, 착한 좀비 팀이 인간과 한편이 되어 나쁜 좀비를 무찌르기도 합니다. 세상에, 이게 뭡니까. 인간 여자가 뱀파이어와 사랑에 빠지는 것이야 뱀파이어 영화에서 빠질 수 없는 것이라고 하지만, 좀비와 인간이 사랑에 빠지다니요.

좀비는 좀비 다워야 합니다. 좀비는 생각따위 하면 안되고, 우우우… 하며 생각 없이 떼로 몰려 다녀야 하며, 불꽃놀이가 시작하면 만사를 다 제치고 그것만 보고 있어야 하고, 좀비의 힘은 막대한 머릿수에서 나오는 것이어서 절대로 뛰거나 날거나 하면 안되는 것입니다. 그래서 저는 오직 조지 로메로 영화에 나오는 좀비만 진정한 좀비로 인정합니다. 새벽의 저주에 나오는 좀비는 올림픽 육상 종목에 나가도 될 것 같아 보였고, 월드워 Z의 좀비는 물린 후 12초만에 철인 3종 경기 선수가 됩니다. 이것은 좀비가 아닙니다. 좀비는 좀비 답게 때로 몰려서 우우우.. 몰려 다니다가 식사감을 만나면 떼로 달려들어 가차없이 사지를 분해하고 창자를 뜯어 먹어야 합니다. 그것이 좀비입니다.

하지만 저는 이 영화를 좋아합니다. 이 영화를 좋아하는 이유는 단 한 장면 때문입니다. 니콜라스 홀트가 분한 주인공 좀비 R은 테레사 팔머가 분한 여 주인공 줄리를 지켜주기 위해 자신의 은신처인 비행기로 데리고 옵니다. 비행기의 이코노미 석에 앉아 떨고 있는 줄리를 안심시키기 위해 R은 LP(!)를 꺼내어 턴테이블에 올려놓고 음악을 들려줍니다.

Guns and Roses의 Patience.

이 음악을 들으며 줄리를 바라보던 R은 심장이 다시 뛰는 것을 느낍니다. 액슬 로즈의 휘파람으로 시작하여 이지와 슬래쉬의 기타가 울려퍼지고, 액슬의 낮은 저음으로 사랑의 상처를 읖조리는 이 음악으로, 좀비 R의 공개되지 않은 과거를 어렴풋이 짐작할 수 있게 되고, 줄리가 좀비인 R을 사랑할 수도 있겠다고 공감하게 되며, 심지어는 좀비의 심장이 뛰는 것 까지 이해가 되는 지경에 이릅니다.

그 후로 영화는 ‘클리셰를 비트는 영화의 클리셰’를 충실히 따라가며, 어이없는 해피 엔딩으로 끝을 맺지만, Patience가 정말 ‘울려퍼지는’ 한 장면으로 영화에 사운드트랙이 얼마나 중요한 것인지를 느끼게 해 줍니다. 다만, 그 한 장면 만으로 영화의 모든 것이 용서가 되지는 않습니다. 옛 것을 새롭게 해석하여 만들어 성공한 영화들에는 삶에 대한 또는 인간의 본질에 대한 ‘통찰력’이 녹아들어 있습니다. 이 영화에는 그것이 없습니다.

사족)
루벤 플리셔 감독의 2009년 작 <좀비랜드>에서의 좀비는 뛰어다니긴 하지만 꽤 마음에 들더군요. 이 영화에는 무려 Metallica의 For Whom the Bell Tools가 삽입되어 있습니다. 또 한 가지, Guns and Roses의 음악에 대한 호불호에 따라 영화의 호불호가 심하게 갈라질 수 있습니다.

Begin Again

음악 영화는 뮤지컬과 음악이 주제인 영화로 나눌 수 있습니다. 얼마전 개봉한 레미제라블이 전자라면, Begin Again은 후자라고 할 수 있겠습니다. Begin Again의 감독인 존 카니의 전작인 <Once>역시 후자인 경우입니다. 잭 블랙 주연의 <School of Rock>도 후자인 영화라고 할 수 있겠죠. School of Rock DVD의 코멘터리를 보면, 잭 블랙이 나와서 영화를 설명하는 장면이 있는데, 잭 블랙이 ‘이 영화는 뮤지컬 입니다’ 라고 이야기 하다가 ‘아니죠… 이 영화는 뮤지컬은 아닙니다. 뮤지컬은 난데없이 노래를 부르잖아요. 배우가 나와서 갑자기 밥 먹었니~~~ 라고 노래를 부르지만 이 영화는 그렇지는 않습니다’ 라고 이야기 합니다. 되게 웃긴 장면이었죠.

이 영화는 감독의 전작 Once와는 달리 전형적인 스토리를 가지고 있습니다. 영화를 10분 정도 보면 영화가 어떻게 끝이 날 것인지를 알 수 있습니다. 고독한 두 남녀와 그들의 음악을 더블린의 더부룩한 분위기에 잘 녹여냈던 유니크한 영화였던 전작과는 달리, 특별하지도 않고, 새롭지도 않은, 상처받은 젊은 여성 음악가와 나락에 빠진 천재 프로듀서가 만나 서로의 고독을 이해하고 좋은 음악을 만들어 성공을 이끌어내는, 어찌보면 진부한 이야기입니다.

하지만 영화는 재미 있습니다. 기대하는 대로 딱딱 흘러가고, 전형적인 ‘나쁜 사람이 아닌 악역’과 좋은 사람들만 줄줄이 등장하며, 관객이 원하는 시점에 원하는 장면이 속시원하게 딱딱 터져주는 데서 오는 카타르시스를 느낄 수 있습니다. 헤어질 것 같은 장면에서 정말 헤어지고, 주인공인 프로듀서는 역시 천재였고, 떠난 남자친구는 주인공의 재능에 사랑을 깨닿고 돌아오며, 주인공은 위대한(또는 그렇게 들리는) 음악을 척척 만들어내고, 그 음악에 악역은 감동하여 무릎 꿇습니다.

그리고 이 영화의 최대 강점은 뭐니 뭐니 해도 음악입니다. 주인공 그레타역의 키이라 나이틀리는 꽤 노래를 잘 부르고, Maroon 5의 프론트맨인 Adam Levine이 비중 큰 조연으로 등장해 직접 노래를 들려줍니다. 이 영화의 가장 감동적인 장면은 Adam Levine이 분한 데이브가 콘서트에서 그레타의 노래를 부르는 장면입니다. Adam Levine은 역시나 노래를 너무나 잘 부르고 ‘성공한, 못된, 하지만 나에게 돌아오고 싶어하는’ 남자가 ‘나에게 돌아오고 싶어 울며 비는’ 장면에 대한 몰입으로 한층 더 감동적인 장면이 됩니다. 키이라 나이틀리는 꽤 많은 노래를 부르고, 부르는 노래들은 꽤 그럴듯 해 들립니다.

이 영화의 또 하나의 장점은 ‘뉴욕’ 이라 할 수 있습니다. 키이라 나이틀리와 마크 러팔로가 세션들을 이끌고 곡을 녹음하는 곳은 뉴욕의 골목길, 센트럴 파크, 엠파이어 스테이트 빌딩이 보이는 건물 옥상 등이며, 이 장면들은 잘 찍힌 장면과 잘 녹음된 음악으로 ‘음악의 도시 뉴욕’의 거리와 잘 어울려 시너지를 일으킵니다. (감독은 그레타의 친구 스티브의 입을 빌려 ‘음악의 도시 뉴욕’을 처음부터 강조합니다)

이 영화의 가장 큰 공신은 아무래도 마크 러팔로이며, 키이라 나이틀리의 연기도 나쁘지 않고(턱 내미는 연기는 고칠 수 없나봐요), 영화에 처음 출연한 아담 리바인의 연기도 좋습니다. 아카데미 여우 조연상에 노미네이트 된 바 있는 캐서린 키너와 헤일리 스타인펠드가 마크 러팔로가 분한 댄의 가족들로 분해 좋은 연기를 보여주며, 그외 세션을 연기한 조연들과 지나가는 단역들의 연기도 딱히 흠잡을 데는 없습니다.

평론가들은 감독 존 카니에게 소포모어 징크스니 뭐니 하는 말들을 할 것 같습니다. 첫 영화 Once는 ‘유니크’하고 ‘뷰티풀’하며 ‘프로그레시브’한 영화였지만 이번 영화는 진부하다는 평이 벌써 나왔지요. 하지만 존 카니는 사람이 노래하는 장면을 잘 찍습니다. 그리고 스토리에 잘 담아냅니다. 그리고 영화는 충분히 재미 있습니다. 배우들이 노래를 부르는 장면들은 또 보고 싶어집니다. 음악을 영화에 담아내는 것은 존 카니가 가장 잘하는 것일 것입니다.  잘 하는 것을 굳이 안할 필요는 없지 않겠습니까?

사족)
여 주인공 이 작사 작곡하여 남자친구에게 크리스마스 선물로 준 곡 Lost Stars의 가사,

“God, tell us the reason youth is wasted on the young”

이 말은 1925년 노벨 문학상을 수상한 아일랜드 극작가 조지 버나드 쇼가 한 말이라는데, 극장 자막은 “젊음은 왜 젊은이들에게 낭비되나요?”정도로 같이 표시 되었던 것 같습니다.
뭐 굳이 틀린 말이라고 할 수는 없지만, 의미를 생각하자면 “신이시여, 왜 젊음을 젊은이들에게 주셔서 이를 낭비하게 하시나요?” 정도가 될 것 같습니다. 조지 버나드 쇼는 그의 묘비에 “I knew if I stayed around long enough, something like this would happen ? 우물쭈물하다가 이꼴 날 줄 알았어.” 라고 써 있는 것으로도 유명합니다. Lost Stars의 가사 일부인 저 말이 조지 버나드 쇼가 한 말이라는 것은 근거가 없다고 하지만, 성향으로 비추어 볼 때 틀림 없는 것 같습니다.